Мысли, которые мы выбираем, — это кисть, которой мы наносим мазки на полотно своей жизни.

Эта фраза принадлежит Луизе Хей, одной из основательниц движения самопомощи. Она не была ни учёным, ни философом в строгом смысле слова. Луиза была женщиной, которая на собственном опыте поняла простую, но невероятно глубокую истину: наш внутренний мир творит мир внешний. Давайте разберёмся, что скрывается за этой красивой метафорой и как нам, обычным людям, научиться быть искусными художниками своей судьбы.

Художник, холст и краски: вскрываем метафору

Слова Луизы Хей — не просто красивый образ. За ними стоит целая система мировосприятия. Давайте разложим её на составляющие.

• Полотно — сама наша жизнь. Судьба, обстоятельства, время, отведённое нам. Изначально оно чистое, без оценок.
• Кисть — наши мысли. Не просто случайные думы, а именно те, которые мы «выбираем». Фокус нашего внимания.
• Краски — наши эмоции и убеждения. Любовь, страх, гнев, радость, вера в себя, чувство вины.
• Мазки — наши решения, слова и поступки. Каждый мазок оставляет след, создавая общую картину.

Суть в том, что мы не можем полностью контролировать полотно (например, место рождения или глобальные события), но выбор кисти и красок всегда остаётся за нами. Можно иметь самые лучшие краски (талант, возможности), но неумелой кистью (негативными, хаотичными мыслями) лишь испачкать холст. А можно, имея скромную палитру, создать настоящий шедевр благодаря мастерскому владению кистью.

Диалог в мастерской: скептик против художника

Чтобы лучше понять идею, представим разговор двух людей, Антона и Марии, перед двумя картинами их жизней.

— Посмотри на моё полотно! — с горечью говорит Антон. — Сплошные серые пятна, кляксы… Начальник на работе — самодур, вот тёмный мазок. Экономика штормит — ещё одна грязно-коричневая полоса. Здоровье подводит — вот расплывчатое больное пятно. Как тут рисовать что-то путное?

Мария смотрит на свою картину. Там тоже есть тёмные цвета, но они вплетены в узор, создают глубину и контраст, подчёркивая яркие участки.

— Антон, у меня тоже есть тёмные краски, — отвечает она спокойно. — Помнишь, когда я потеряла работу? Вот этот тёмно-синий мазок — отчаяние первых дней. Но я взяла другую кисть. Я стала думать не «за что мне это?», а «для чего мне это?». Я подумала: «Это шанс научиться новому». И рядом с тёмно-синим появился золотистый мазок — мысль о новых возможностях. Я пошла на курсы, и вот — яркая, оранжевая полоса новой профессии. Ты видишь событие как кляксу, которая испортила всё. А я вижу его как тёмную краску, которой можно придать картине объём. Проблема не в краске, а в том, как ты её наносишь.

Отголоски веков: где мы уже это слышали?

Идея Луизы Хей не родилась на пустом месте. Она — продолжение мудрости, известной человечеству тысячи лет.

1. Факт из истории: Стоики. Древнеримские философы, такие как Сенека и император Марк Аврелий, учили тому же самому. Их главный принцип: разделять то, что в нашей власти, и то, что нет. В нашей власти — наши суждения, мысли и реакции. Не в нашей — внешние события. Марк Аврелий писал в своём дневнике: «Если тебя что-то огорчает, то огорчает не сама вещь, а твоё суждение о ней. Но в твоей власти изменить это суждение». Чем не инструкция для художника своей жизни?
2. Пример стойкости: Виктор Франкл. Австрийский психиатр, прошедший ужасы нацистских концлагерей. Он потерял всё: семью, имущество, свободу. Но он обнаружил, что даже в нечеловеческих условиях у него оставалась «последняя из человеческих свобод» — свобода выбирать своё отношение к происходящему. Его мысль, его внутренний стержень, позволили ему не просто выжить, но и создать после освобождения целое направление в психотерапии — логотерапию, помогающую людям находить смысл даже в страданиях. Его жизнь — пронзительное доказательство того, что кисть мысли сильнее любых обстоятельств.
3. Научный факт: Нейропластичность. Современная наука подтверждает правоту древних мудрецов. Наш мозг не статичен, он постоянно меняется под воздействием нашего опыта и… мыслей. Когда мы раз за разом думаем определённую мысль, мы буквально прокладываем в мозгу новую нейронную тропинку. Чем чаще мы по ней «ходим», тем шире и основательнее она становится. Постоянно думая «у меня ничего не получится», мы строим в голове скоростное шоссе к неудаче. Начиная осознанно выбирать мысли о решении, мы прокладываем тропинку к успеху, которая со временем тоже станет широкой дорогой.
4. Аналогия: Внутренний садовник. Ваши мысли — семена. Вы можете сажать семена сорняков (страх, обида, зависть) или семена прекрасных цветов (благодарность, вера, любовь). Почва — ваше подсознание, ему всё равно, что растить. Оно с усердием вырастит то, что вы в него посадили. Что вырастет в вашем саду через год, зависит от семян, которые вы выбираете сегодня.

Тренды и прогнозы: от позитивного мышления к ментальной гибкости

Явная закономерность: всё больше людей понимают, что счастье и успех — не лотерейный билет, а результат внутренней работы. Книги по психологии и саморазвитию популярны как никогда. Люди устали быть жертвами обстоятельств и ищут инструменты для управления своей жизнью.

Скрытый тренд и предостережение: на волне этой популярности возникла опасная крайность — «токсичный позитив». Это требование всегда быть счастливым, игнорировать и подавлять негативные эмоции. Но картина, написанная только яркими красками, будет плоской и невыразительной. Тьма и тень придают объём. Поэтому мудрость не в том, чтобы отрицать проблемы и боль (тёмные краски), а в том, чтобы осознанно вплетать их в общую композицию, используя как контраст, как урок, как точку роста.

Прогноз: маятник качнётся от наивного «думай о хорошем» к более зрелому подходу — психологической гибкости. Это умение осознавать свои мысли и чувства (и приятные, и болезненные), не становясь их рабом, и продолжать действовать в соответствии со своими ценностями. Будущее за теми, кто научится быть не просто позитивным, а устойчивым художником, способным рисовать даже в бурю.

Если бы Луиза Хей говорила с нами сегодня

Что бы она посоветовала нам, живущим в мире постоянных перемен и информационного шума? Вероятно, её слова прозвучали бы так:

Вопрос: Луиза, моя жизнь уже похожа на испорченный, измазанный холст. С чего мне начать, если всё так плохо?

Ответ (предполагаемый): «Милое дитя, ни одно полотно не бывает испорчено навсегда. Во-первых, ты можешь взять белую краску благодарности и покрыть ею хотя бы один маленький уголок. Найди то, за что ты благодарен прямо сейчас. Дыхание, чашка чая, крыша над головой. Вот, уже появился светлый участок. Во-вторых, никто не мешает тебе начать рисовать поверх старых мазков. Твоё прошлое не определяет твоё будущее, если ты не позволишь ему. Каждый новый день — это возможность нанести новый, осознанный мазок. Не пытайся переписать всю картину за час. Просто сделай сегодняшний мазок чуть светлее, чем вчерашний».

Вопрос: Но вокруг столько негатива, плохих новостей. Как не поддаваться этому?

Ответ (предполагаемый): «Ты не можешь запретить дождю идти, но можешь взять зонт. Ты не можешь выключить все плохие новости, но можешь выбрать, сколько времени и внимания им уделять. Твоё внимание — самая ценная валюта. Не раздавай её бесплатно тем, кто сеет страх. Сознательно направь фокус на то, что ты можешь создать, улучшить, на то, что тебя вдохновляет. Выбери кисть созидания, а не кисть тревоги».

Практическая мастерская: как стать художником своей жизни

Красивые слова вдохновляют, но без практики они остаются лишь словами. Вот несколько простых упражнений, чтобы начать рисовать свою картину осознанно.

• Дневник мыслей. Вечером записывайте 1-2 негативные мысли, которые беспокоили вас в течение дня. Например: «Я опять не справился с отчётом, я неудачник». А рядом осознанно перепишите её в конструктивном ключе: «Этот отчёт оказался сложнее, чем я думал. Что я могу сделать, чтобы в следующий раз получилось лучше? Может, попросить совета или выделить больше времени?». Вы меняете кисть с «самообвинения» на «поиск решения».
• «Мазок благодарности». Каждое утро или вечер уделяйте 3 минуты тому, чтобы мысленно или письменно перечислить 3-5 вещей, за которые вы благодарны. Это упражнение приучает мозг фокусироваться на светлых участках полотна, даже если тёмных пока больше.
• Смена палитры. Если вы поймали себя на потоке тревожных мыслей, сознательно переключитесь. Не боритесь с ними, а просто скажите себе: «Хорошо, я вас вижу. А теперь я выбираю подумать о чём-то другом». Включите любимую музыку, позвоните другу, посмотрите на небо. Смените краску страха на краску спокойствия, хотя бы на несколько минут.

Ваша жизнь не обязана быть идеальным шедевром, признанным всеми критиками. Ценность картины вашей жизни — в смелости быть её автором. В готовности брать кисть в руки каждый день, смешивать краски, пробовать новое, иногда ошибаться, закрашивать неудачные фрагменты и продолжать творить. Ведь в конечном итоге, эта картина — для вас. И только вам решать, какой она будет.

« Просто я хочу сказать что вы счастливая. Да-да, счастливая! Потому что рядом есть люди, которые любят вас, которым достаточно того, что вы есть. Просто есть. И вам можно вообще ничего не делать, а просто — есть, ну, в смысле, быть.»

Кадр из сериала. Виктор и Марьяна

Как известно, сейчас стало модно снимать фильмы и сериалы о советском времени. Один из таких – сериал «Оттепель», который снял талантливый режиссер Валерий Тодоровский, он также является и продюсером, и сценаристом этой яркой картины. Чтобы понять всю глубину этого сериала, необходимо полностью абстрагироваться от внешнего мира и досмотреть сериал до самого конца.

Режиссер смог перенести на экран всю атмосферу 60-ых годов, жизнь людей того времени. И это кино точно можно назвать оригинальным и по задумке, и по самому сюжету. В сериале «Оттепель» раскрывается правда о времени, о кинематографе и людях, которые творят кино.

Главный герой — Виктор Хрусталев — кинооператор

В центре сюжета – молодой и талантливый кинооператор Виктор Хрусталев (актер – Евгений Цыганов) - загадочный, отстранённый, молчаливый, жуткий циник и эгоист. Но несмотря на свои негативные качества, он умел завораживать женщин, которые впоследствии сильно привязывались к нему, но с которыми герой с легкостью прощался. Сюжет начинает раскрываться после того, как после трехдневной пьянки Виктора с его давним знакомым сценаристом Костей Паршиным происходит трагедия – Костя выпадает из окна собственной комнаты в общежитии ВГИКа.

На поминках сценариста Егор Мячин (актер – Александр Яценко), друг Кости Паршина, произносит речь: проговаривается, что у него на руках есть последний гениальный сценарий погибшего, и именно он снимет потрясающий фильм по этому сценарию. Виктор Хрусталев предлагает Мячину снимать фильм вместе, но едва ли возможно было добиться одобрения на съемку у директора Мосфильма (актер – Владимир Гостюхин). Вся ситуация резко меняется, когда режиссер Федор Кривицкий (актер – Михаил Ефремов) на радостях потянулся за бутылкой коньяка и упал, сломав себе копчик. Хрусталев получает предложение заменить Кривицкого, и соглашается с условием, что после ему и Мячину дадут разрешение на съемку фильма «Осколки» по сценарию Паршина. Виктор приводит Мячина на площадку в качестве режиссера-стажера.

Егор Мячин (Александр Яценко)

…Однажды в ателье Егор встречает красавицу, в которую влюбляется с первого взгляда – Марьяну Пичугину (актриса – Анна Чиповская). В первый же день он приходит к ней с просьбой руки и сердца, что вызывает у Марьяны лишь усмешку и жалость к парню. И удивительно то, как потом жизнь будет переплетать судьбы этих людей, и вот тут нас и ждет вся история…

Марьяна (актриса — Анна Чиповская)

Существует постулат о том, что история, которую ты рассказываешь, должна быть конкретно про тебя. Тогда и люди тебе поверят. Тодоровский об этом знал, и как результат – снял один из лучших отечественных сериалов, проводя множество сюжетных линий в одной картине. У каждого героя свой неповторимый образ, своя судьба и свои взгляды на жизнь.

Кадр из сериала. Инга (бывшая жена Виктора), Виктор и Егор

Композитором в сериале был Константин Меладзе. Он полностью вошел в роль кинокомпозитора конца 1950-х—начала 1960-х годов. И об этом говорят те шедевральные композиции, которые прозвучали в сериале. Главную песню «Оттепель», которая мигом стала хитом, исполняет Паулина Андреева.

Исполнительница песни «Оттепель» — Паулина Андреева

С «Оттепелью» всё так удачно сложилось потому, что все люди, которые внесли свой вклад в создание этого сериала, знали, о чем идет речь, что именно им нужно снимать. И дело даже не в том, как там на самом деле было в 60-х, а именно в этих рабочих моментах, в этих индивидуальных особенностях людей, которые «готовят кино на кинематографической кухне».

Каст сериала: Евгений Цыганов, Аня Чиповская, Михаил Ефремов, Виктория Исакова и Павел Деревянко. Справа — режиссер Валерий Тодоровский

Дорофеева Александра

Виктор Эльпидифоровича Борисов-Мусатов (1870 — 1905)

«Самым поэтичным и своеобразным художником» назовет искусствовед А. Русакова Виктора Эльпидифоровича Борисова-Мусатова (1870 — 1905). Борисов-Мусатов родился в Саратове в дружной и любящей семье. В 1873 году с ним произошел несчастный случай. Он упал и ушиб позвоночник, став калекой.

Еще раз обратимся к А. Русаковой: «Искусствоведы, занимавшиеся творчеством Мусатова, выводят обычно из этого несчастного случая и его последствий, как из основной причины, особенности искусства художника. …Но переоценивать это обстоятельство все же нельзя… Изучающие его творчество не принимают во внимание свидетельство о несомненном общественном темпераменте художника, об его организаторских способностях, общительности, умении преданно дружить, всегдашней способности помочь людям, да и попросту о постоянно проявлявшейся, несмотря на болезнь, жизнерадостности».

Мусатову исполняется двадцать лет, и начинаются «годы учения и странствий». Сначала Московское училище живописи, ваяния и зодчества, затем Петербург — Российская академия художеств. Но в Петербурге сырой климат оказал плохое влияние на здоровье Виктора. Опять Саратов и Москва. Путешествие на Кавказ и в Крым приносит много ярких впечатлений от природы, городов с новой архитектурой и знакомства с интересными художниками. Несколько лет в Париже — и опять обострение болезни и операция в частной клинике. Виктор Эльпидифорович живет то в Москве, то в Петербурге, то во Франции, участвует в выставках. Часто приезжает в Саратов для устройства хозяйственных дел.

Мы здесь не говорим о произведениях, написанных в эти и последующие годы, и не разбираем их художественное достоинство. Не рассказываем о его выставках. Не говорим о тех течениях в искусстве, к которым он примыкал, так как это дело искусствоведов.

О Борисове-Мусатове написаны монографии, выпущены альбомы, каталоги. Мы же прослеживаем путь художника в Тарусу.

В декабре 1903 года семья Мусатовых переезжает в Подольск. Весной 1905 года Виктор Элъпидифорович с женой и маленькой дочкой переезжает в Тарусу. Их приглашает по просьбе Василия Дмитриевича Поленова Иван Владимирович Цветаев на свою дачу. В этом году по семейным обстоятельствам семья Цветаевых не могла приехать в Тарусу Здесь, в окружении прекрасных русских пейзажей, рождаются творческие планы, новые сюжеты картин. И еще. Здесь, совсем недалеко, на противоположном берегу Оки живет человек, которого Мусатов безмерно любит — Василий Дмитриевич Поленов.

Восхищаясь женскими образами на картинах Борисова-Мусатова, мы можем заметить, что у него был свой идеал, тип женской красоты — это черты его любимых: младшей сестры Елены и его жены — художницы Е. В. Александровой, Н. Ю. Станюкович — жены друга, художника В. К. Станюковича. В Тарусе Виктор Эль-пидифорович узнает о смерти друга. Скорбь по безвременно ушедшему очень близкому человеку — Надежде Юрьевне Станюкович проявилась в незаконченной картине «Реквием», лебединой песне художника.

В Тарусе художник много работает: эскизы, зарисовки — это все заготовки к новым картинам. Но он не успел осуществить свои планы. Последние законченные работы, написанные в Тарусе: акварель «На балконе. Таруса», пастель «Куст орешника», пастель «Осенняя песнь».

​

В это время в стране происходят бурные революционные события. Борисов-Мусатов читает газеты и письма, которые ждет с нетерпением. Он в ожидании каких-то перемен. В одном из последних писем к А. Бенуа: «…Теперь я живу в Тарусе. В глуши. На пустынном берегу Оки. И отрезан от всего мира. Живу в мире грез и фантазий среди березовых рощ, задремавших в глубоком сне осенних туманов, …Я создал себе свою жизнь. Как-то странно — такая тишина среди всеобщего смятения. Какие-то слухи долетают до меня. Какие-то дороги забастовали. Какие-то надежды, какие-то ужасы. …Как странно. Давно ли я был в Москве, в столице Российской империи и скоро вновь буду в ней, но уже в столице Российской Республики. Как в сказке. Заснул. Проснулся. Прошло мгновение ока. А между тем уже сто лет пролетело. Повсюду жизнь. Повсюду свободные граждане…» Но… Увидеть преобразования в жизни России он не успел.

25 октября, после обычного катания на лодке, началось обострение болезни почек и сердца. К утру 26 октября 1905 года замечательного художника не стало. Похоронили Борисова-Мусатова на крутом берегу Оки. На его могиле установлен гранитный памятник, выполненный другом художника талантливым скульптором А. Т. Матвеевым.

Основные работы Борисова- Мусатова можно увидеть в Третьяковской галерее в Москве, Саратовском художественном музее им. А. П. Радищева, Русском музее С.Петербурга.

Борисов-Мусатов меньше года жил в Тарусе, но его творчество покорило тарусян. В память о нем в Тарусе ежегодно в октябре проводят пленэр «Мусатовская осень», итогом которой становится выставка работ участников пленэра в Тарусской картинной галерее.

Таруса нас радует тем, что именно ее выбирали, да и сейчас выбирают местом своего обитания неординарные, талантливые люди. Их душевные качества, открытость, самоотверженное желание отдать все силы на развитие культуры небольшого провинциального города остаются в нашей памяти, и эта книга дань признательности их заслуг.

Э.М. Логинова

Тарусская картинная галерея

 «Картинная галерея в Тарусе — одно из редких (к сожалению) явлений в нашей культурной жизни. Она возникла на чистом энтузиазме нескольких тарусян. Они заслуживают нашей благодарности за свой бескорыстный и благородный труд», — написал К. Г. Паустовский в мае 1963 года, когда проходили только первые месяцы существования нового музейного учреждения, возникшего на общественных началах.

Были веские причины тревожиться за его судьбу. Поскольку этому событию предшествовало несколько неудачных попыток основать в городе художественный музей. Но каждый раз собранное неизвестно куда исчезало либо подлежало передаче в иные руки. Наконец судьба оказалась благосклонной к Тарусе, тем более что для картинной галереи, первоначально находившейся в трапезной Петропавловского собора, в 1970 году было построено двухэтажное здание. В начале 1968 года галерея стала филиалом Калужского областного художественного музея.

В деле организации Тарусской картинной галереи наиболее значительную роль сыграл ее первый общественный директор — Борис Прохорович Аксенов (1891 — 1972), инженер-строитель по образованию, много лет отдавший работе на сцене. Его увлеченность музейным делом, казалось, не знала пределов: он приходил к часу открытия галереи и неизменно оставался в ней до момента ее закрытия; беседуя с посетителями, внимательно присматривался к ним, выявлял каждого приехавшего в Тарусу художника и завязывал с ним знакомство; поддерживал добрые отношения с родственниками умерших мастеров, в результате чего в галерее появились их работы.

В городе Б. П. Аксенова знали все в основном по его работе в Доме культуры, где он был художественным руководителем, занимался с участниками агитбригад, ставил спектакли, работал с хором. Затем работал в Доме пионеров по эстетическому воспитанию школьников, и здесь-то возникла мысль о создании постоянной выставки картин, приведшая к осознанию основания галереи. Поэтому Тарусскую картинную галерею с полным правом можно считать детищем Б. П. Аксенова: она стала для него смыслом жизни. Недаром в одном из писем осенью 1968 года он мог написать: «Не суди меня строго, дорогой друг, но в Галерее я бываю каждый день. Не могу бросить, очень люблю я ее». И через некоторое время грустью добавил: «Галерею сдал и ключи отдал. Теперь я уже не хозяин». Начальный период истории галереи закончился…

Говоря о Тарусской картинной галерее, нельзя не упомянуть и имени человека, коллекция которого составила основу существующего музейного собрания, неоднократно пополнявшегося различными дарами. Это Николай Петрович Ракицкий, ученый-агроном, создавший вокруг своего тарусского дома богатейший и интереснейший сад. О его эрудиции можно получить представление из сказанного им же: «Судите сами: классическая гимназия в прошлом веке, Киевский университет, сельскохозяйственная академия в Баварии, изучение искусства в Италии. Знание древнегреческого, греческого, латыни, французского, немецкого, татарского языков. Работал агрономом в земстве (слово-то какое полузабытое — «земство»), в ЦК Промгола Крыма, в редакции Технической энциклопедии, где пятнадцать лет был бессменным научным секретарем?. В Тарусу Н. П. Ракицкий приехал в 1926 году.

Городские власти тогда выделили ему участок бывшего пастбища, который его трудами превратился в красивейший сад. В течение всей своей жизни Н. П. Ракицкий собирал художественные произведения, которые впоследствии осели в различных музеях. Тарусской картинной галерее собиратель передал безвозмездно две сотни предметов, включая живописные полотна, изделия из фарфора, фаянса, стекла, фрагменты старинных кружев. Образцы западноевропейской живописи, а также декоративно-прикладного искусства, представленные в экспозиции галереи, — исключительно дары Н. П. Ракицкого.

Из всех живших в летний период в Тарусе художников наиболее горячо откликнулся на создание галереи В. А. Ватагин, передавший ряд своих деревянных скульптур (в том числе и изваяния гималайского медведя), большое количество рисунков, акварелей и автолитографий. Жена мастера принесла несколько работ А. Л. Ржевской. П. Н. Крылов (один из Кукрыниксов) — пейзаж «Сосны около Страхова».

Несколько картин поступило из Государственной Третьяковской галереи. Были и иные пополнения, большей частью благодаря активной выставочной деятельности, которую в течение всего времени своего существования вела Тарусская картинная галерея. В основном это произведения современного искусства. Некоторые из них включены в постоянную экспозицию, ту самую, костяк которой все-таки составляют коллекция Н. П. Ракицкого, произведения скульпторов-анималистов В. А. Ватагина и Д. В. Горлова. Эти работы практически никогда не покидают стены галереи, являясь ее наиболее важной и неотъемлемой частью. Именно о них здесь пойдет речь, поскольку каждое из таких произведений сохраняет свое художественное и мемориальное значение.

Небольшое полотно князя Г. Г. Гагарина (1810—1893), выполненное в технике гризайль и известное под названием «Дети», с изображением нескольких обнаженных фигур, воспроизводит каменный рельеф. Подобные группы относятся к числу сюжетов, получивших широкое распространение в ренессанснои скульптуре второй половины XV века, откуда, в свою очередь, были унаследованы искусством русского классицизма. Они порой украшали фасады и интерьеры усадебных домов. Князь Г. Г. Гагарин — талантливый художник, военный, дипломат, археолог, вице-президент Российской академии художеств.

Происходивший из Нижнего Новгорода живописец и рисовальщик А. М. Волков (1827—1875) был учеником Ф. А. Бруни, писал картины преимущественно на библейские и мифологические темы, но все же больше известен как автор написанной в 1859 году картины «Пожар в деревне». Датированная 1845 годом скромная по размерам композиция «Пороги», при всех своих технических недочетах и чертах примитивизма, представляет интерес в плане становления русского пейзажного искусства.

Почти миниатюрный «Портрет неизвестного» традиционно связывают с именем С. К. Зарянко (1818—1870), учившегося у А. Г. Венецианова, и позже в Российской академии художеств уМ. К. Воробьева, в 1856—1870 годах преподававшего в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Мастер был одним из самых искусных русских портретистов своего времени. Представленный портрет явно не вполне соответствует этим критериям. Не исключено, что он выполнен в ранний период творчества С. К. Зарянко, еще не совсем окрепшей рукой. Отсутствие авторской подписи еще не свидетельствует против принятой атрибуции, основанной на сведениях, идущих от прежних владельцев произведения. Кисти неизвестного, возможно дворового художника середины XIX века, принадлежит погрудный «Мужской портрет», изображающий то ли мелкого помещика, то ли дворецкого.

Жемчужиной собрания галереи можно считать этюд В. Д. Поленова (1844—1927) к картине «Христос и грешница», занимающей видное место в творческом наследии этого выдающегося мастера. Временем выполнения этюда следует считать 1881 — 1882 годы, когда была совершена первая поездка в Палестину. Этюд мужской головы в белой шапочке написан эскизно, непосредственно с натуры, отличается хорошей живописной моделировкой с резкими высветлениями.

Знаменитый пейзажист-маринист И. К. Айвазовский (1817— 1900) представлен мастерски выполненной картиной «Море у острова Капри, помеченной 1876 годом. Она относится к периоду творческой зрелости художника. Находящееся в Тарусе полотно принадлежит к числу тех «видовых» картин, которые дают блестящие примеры творческого исполнения европейских традиций.

Л. Ф. Лагорио (1827—1905), также известный пейзажист и маринист, был земляком и младшим современником И. К. Айвазовского, тоже учившимся в Российской академии художеств. Его картина «В море», датированная 1902 годом, показывает, что он нашел свой путь в искусстве. В целом это добротно выполненное живописное полотно, отличающееся композиционной целостностью и высоким академическим уровнем, без акцентирования внимания на определенных деталях.

Исключительно тонким пейзажистом был С. Л. Светославский (1857—1931), автор картины «Зимний пейзаж», ученик А. К. Саврасова.

П. А. Суходольский (1836—1903) — уроженец Мосальского уезда Калужской губернии, известный преимущественно как художник-пейзажист, учившийся в Российской академии художеств и в 1878 году получивший за картину «Весенний разлив Оки» звание академика. Датированные 1899 годом парные картины «Соколиная охота» и «Охота на ягуаров» явно написаны по заказу, с претензией на историческую реальность, хотя вполне просматривается их «сочиненность», с использованием в качестве образца европейских гравюр. Тематика обеих картин окрашена ностальгией по утраченному «золотому времени», каковым представлялся XVIII век.

Творчество А. Л. Ржевской (1861—1934) известно главным образом благодаря ее картине «Веселая минутка», написанной в 1897 году, хотя ее автор оставила и иные достойные внимания работы, в том числе чудесные акварели. Одна из них — «Дом в Тарусе», на которой воспроизведен дом зятя художницы — скульптора В. А. Ватагина. Выразителен и холст «Девочка у окна».

Б. М. Кустодиева (1878—1927) хорошо знают как жанриста, портретиста, исторического живописца, театрального художника и иллюстратора. Творческая активность мастера, казалось, не знала пределов. Он активно реагировал на все, что приносила жизнь.

В этом ключе надо воспринимать и датированную 1926 годом акварель «Гулянье на селе», с изображением двух сельских красавиц в шубах и шалях, на фоне пейзажного мотива с группой стоящих парней, среди которых гармонист в буденовке. При лаконичности выразительных средств все передано так, что речь может идти только об атмосфере НЭПа. Таким образом, графический лист превращается в исторический документ эпохи.

Галерее принадлежит великолепное собрание работ тесно связанного с Тарусой вьщающегося скульптора-анималиста В. А. Вата-гина (1883—1969), обладавшего исключительной творческой активностью, позволившей ему выполнить не только большое количество произведений пластики, но и множество рисунков, акварелей, автолитографий. В молодости он окончил естественный факультет Московского университета, работал в Германии, Голландии, Бельгии, Англии, Франции и Средней Азии. В 1913 году ездил с группой художников на Цейлон и в Индию. Летом 1921 года принял участие в экспедиции на ледоходе «Малыгин» в Баренцево и Карское моря. С 1932 года работал в Зоологическом музее Московского университета. Кроме того, с 1899 года учился в студии Н. А. Мартынова, а в 1904—1906 годах — в школе К. Ф. Юона в Москве. Технику литографии изучал в 1910 году в Берлине. В 1919 году В. А. Ватагин преподает в Государственных свободных художественных мастерских, в 1963—1968 годах — в Московском высшем художественно-промышленном училище (Строгановском). Являлся членом Московского товарищества художников, Общества художников — реалистов, участником многочисленных выставок, в том числе Московского общества любителей искусств. Мастер благодаря своим произведениям приобрел широкую известность, получил почетное звание народного художника РСФСР, был избран действительным членом Академии художеств СССР, стал лауреатом Государственной премии СССР.

Свой дом в Тарусе В. А. Ватагин построил еще в 1913 году, по возвращении из поездки на Цейлон, на участке, находившемся на окраине города. Одновременно посадил несколько дубов, со временем превратившихся в большие деревья. Даже достигнув преклонного возраста, скульптор оставался не по годам бодрым и работоспособным, не мог ни дня прожить без творческого труда, постоянно что-то рубил в своей летней «мастерской» под балконом, широко открытой в сторону сада. Здесь он работал и над большими деревянными скульптурами, стоя у простого, но крепкого стола-верстака. Над мелкими вещами любил работать наверху на балконе. В. А. Ватагин был человеком, влюбленным в природу, и не уставал любоваться и восхищаться зверями, птицами, находил живую радость в том, чтобы учить других искусству изображения окружающего. Благожелательность и отзывчивость мастера известны, особенно общавшимся с ним людям. Проявлением этого стали и его дары своих произведений Тарусской картинной галерее.

О характере В. А. Ватагина, об его удивительном самообладании свидетельствуют написанные им в 80 лет следующие строки: «По правде сказать, я не очень радуюсь моему юбилею… Доживаю последние две недели молодости… После 80-ти лет каждый новый год приходится считать счастливым выигрышем; с каждым годом качество работы придется оценивать все с большей скидкой на возраст. Очень не хочется доживать до того, когда сам не будешь замечать и чувствовать эту скидку… Что касается меня, то чувствую себя нормально и усиленно работаю, стараясь использовать последние «дни молодости», надеясь так же бодро перешагнуть порог старости». Василий Алексеевич скончался 31 мая 1969 года на 86-м году жизни и похоронен на тарусском кладбище. Надо добавить, что Мастер написал замечательную книгу «Образ животного в искусстве», для которой им было выполнено более двух тысяч акварелей с изображениями животных, начиная с палеолита.

В экспозиции галереи представлено несколько скульптур Ватагина, выполненных из дерева. Наиболее монументальна массивная «Голова львицы» (тонированное дерево). По-своему грациозна «Черная обезьяна». Сильное впечатление образной обобщенностью резьбы производит «Гималайский медведь». Необычен свернувшийся «Красный слон». Выразительна выполненная из шамота «Панда».

Искусство творческого постижения окружающего мира не менее наглядно демонстрируют графические работы В. А. Ватагина. Есть среди них лаконичные по исполнению, привлекающие уверенно нанесенным штрихом рисунки: «Павлин», «Кролики», «Страусы», «Обезьяна», «Собака». Искусно использован цвет в таких выполненных в смешанной технике работах, как «Зебры», «Панда», «Орангутанг», «Слон» и наиболее впечатляющий «Тигр», Обширную группу графических листов составляют автолитографии индийского и цейлонского циклов, обнаруживающих наряду с художественной также этнографическую ценность.

Здесь же скульптурные произведения Д. В. Горлова (1899-1988), учившегося у В. А. Ватагина и с 1935 года работавшего как скульптор-анималист, получившего известность благодаря группе «Волчица с волчатами» для Нескучного сада в Москве. Высокими художественными достоинствами отличаются хранящиеся в галерее выполненные из шамота «Черный лебедь» и рельеф «Буйвол», деревянные скульптуры «Мишка, сосущий лапу» и «Заяц-русак», неизменно привлекающий людей различного возраста. Но своей выразительностью их явно превосходит рельеф тонированного дерева «Волк, спускающийся с горы».

В картинной галерее сравнительно немного произведений западноевропейской живописи, но некоторые из них обладают исключительной привлекательностью. Например, «Распятие с предстоящими и Св. Франциском Ассизским», приобретенное Н. П. Ракицким в 1920-х годах, по рекомендации реставратора Государственного Эрмитажа Д. Ф. Богословского, произведение неизвестного художника круга Николо Алунно конца XV века.

Небольшая картина «Разбойники» принадлежит кисти голландского художника Филипса Ваувермана (1619—1663), работавшего в Харлеме.

Представителем венецианской школы принято считать такого мастера исключительно сложной судьбы, каким был живописец и гравер Франческо Казанова (1727—1802), родившийся в Лондоне и умерший в Вене. Учился он в Венеции и во Флоренции. Работал в Париже, Дрездене и Вене. Был придворным художником Людовика XV. Картина «У таверны» представляет жанровую сцену на фоне пейзажа с холмистой возвышенностью вдали.

Несомненно высокими художественными достоинствами выделяется миниатюрная «Лунная ночь» кисти швейцарского живописца Александра Калама (1810—1854), с зарослями и перекинутым через реку каменным арочным мостом. Картина окрашена проявлениями романтизма.

Здесь упомянуты лишь те произведения, которые можно отнести к основному собранию Тарусской картинной галереи. Но и они перечислены отчасти выборочно, иначе пришлось бы вместо характеристики отмеченных работ ограничиться их длинным сухим перечнем.

Сорокапятилетний период существования галереи (из которых сорок лет она является составной частью Калужского художественного музея) оказался наполненным постоянным трудом, устройством многочисленных выставок, работой с широким зрителем. Поэтому можно со спокойной совестью сказать, что Тарусская картинная галерея свое назначение выполняет с честью.

В.Г. Пуцко

Анна Петровна Остроумова-Лебедева (1871 — 1955)

Дочь видного чиновника Синода, родилась в С.Петербурге. Интерес к ри­сованию проявился у девочки очень рано, но особенно она тяготела к графическому искусству. Она прожила счастливую творческую жизнь, была признана и товарищами по искусству и народом. В 1951 году была награждена орденом Трудового Красного Знамени, ей присвоили почетное звание народного художника республики, избрали действительным членом Академии художеств СССР.

Будучи уже очень известным мастером, Анна Петровна так определяла свое творчество: «Я являюсь в черной гравюре революционером-возродителем, а в цветной — создателем новой отрасли гравюры». Художница много путешествовала. Она также досконально освоила акварель и в своих путешествиях любила писать пейзажи акварелью с натуры.

Анна Петровна жила в Тарусе с июля по сентябрь 1939 года. В своих «Автобиографических записках» она рассказывает об этом. Небольшой по объему текст хочется привести почти полностью. Здесь есть все: и впечатления от природы Тарусы и ее окрестностей, радость от новых знакомств, творческие поиски и неудачи: «Уже несколько недель, как я в Тарусе. В первые же дни посетила могилу художника Борисова-Мусатова. Кладбище расположено на высоком берегу Оки, который крутым обрывом падает вниз. Могила Борисова-Мусатова (гранитный пьедестал и на нем лежащий Мальчик) находится почти на самом краю и рисуется на фоне открытого далекого горизонта, с лесами, зеленеющими лугами и с бодро текущей Окой. Удивительно хорошо выбрано место покоя. Прекрасный, чарующий художник, который так тонко, с такой грацией наносил на холст свои видения. И так рано умер.

…Относительно живописности и красоты Тарусы Михаил Васильевич Нестеров был прав. Маленький, чрезвычайно живописный городок, расположенный по крутым холмам и оврагам, заросшим старыми чудесными вербами. Я работала много, но сделала мало. Вербы, которые здесь так живописны, мне почему-то не удавались. Я не сумела выработать приема, как выражать наиболее просто их характерные и отличительные черты среди других деревьев. Одним словом, я не овладела окружающей природой, не поняв стиля ее.

Кроме того, меня утомляла жара. Я плохо с годами стала ее переносить. Но все-таки привезла из Тарусы 25 больших и среднего размера акварелей и десяток рисунков.

В Тарусе я познакомилась с художником Василием Алексеевичем Ватагиным. Его дом расположен высоко на холме, на краю Тарусы и доминирует почти над всем пейзажем. Ока широко и далеко видна с его обширной террасы. Художник производит приятное впечатление. Небольшого роста, худенький, с мелкими чертами лица, с небольшими, карими внимательными глазами. Он прекрасный, талантливый скульптор. Я видела у него отличный бюст знаменитого художника Вас. Дмитр. Поленова, сделанный им года за два до смерти, когда В. Д. Поленову уже было за восемьдесят лет. Художник удивительно передал в глазах Поленова глубокую старость с ее спокойствием и мудростью.

Ватагин много работает. Он показал мне целый ряд скульптур из глины, из дерева, из клыка моржа. Мне очень понравились его очаровательные фигурки из цветной глины: темно-коричневой, черноватой, красноватой и совсем светлой.

При этом глина эта, по словам художника, высыхая, не давала трещин, а просто каменела. Последнее, что он тогда работал, — женская фигура с повязанным вокруг головы платком. Левой рукой она обнимает маленького козленка, а справа к ней прижимается и подымает голову коза. Группа эта прелестна. В ней есть грация, пластичность и стиль… В конце сентября я вернулась домой».

Э.М. Логинова